Такие разные художники – такое разное искусство

Художником может стать каждый? Если никак не получается достоверно изобразить натюрморт, то и кисть в руке держать не очень-то хочется. Знакомо? Эх, не всем дан этот великий дар – переносить изображения на бумагу. Подождите! Не спешите забрасывать палитру на дальнюю полку. На самом деле, далеко не все известные живописцы получили художественное образование и могли реалистично изображать предметы, пейзажи или людей. Но это не помешало им создать настоящие шедевры. У Ван Гога, например, очень плохо выходила на бумаге человеческая фигура.

Появление фотографии сильно повлияло на изобразительное искусство. До изобретения камеры художники - портретисты были единственными, кто мог запечатлеть человека в определённом возрасте. Но разве обязательно соревноваться с современными фотокамерами, которые с каждым годом передают изображение все реалистичнее? Может быть, искусство должно выражать чувства и индивидуальное восприятие художника, а не в точности копировать образ?!

На протяжении всей истории человечества изобразительное искусство менялось и открывало свои новые грани. Художником может стать каждый! Важно найти стиль, который манит, словно шепчет: "Просто возьми кисть и твори". Кстати, картины художники пишут, а не рисуют. Почему так говорят, и почему это важно? Слово «живопись» произошло от слова «письмо». Слово «писать» известно с 11-го века и близко по значению к «пестрому». Писать – буквально «украшать». Слово «рисовать» появилось значительно позже – при Петре I, в 18 веке. Разница есть и в технике, которую используют художники, когда пишут и когда рисуют. Для живописи используются краски, которые смешиваются, давая новые цвета и оттенки: гуашь, масляные и акриловые краски. Рисуют же карандашом, пастелью, ручками и акварелью.
Если живопись манит, приглашаю прогуляться по лучшим музеям мира и посмотреть на известнейшие полотна. Нет, совсем не для того, чтобы у начинающих художников потерялась вера в собственные силы под гнетом величия непревзойдённых шедевров. Совсем наоборот – для вдохновения! Мы увидим, каким разным бывает искусство, и попытаемся выяснить, что важнее для создания шедевра: мастерство, идея, чувство? Или что-то другое?

Такие разные техники

В живописи есть разные стили и техники, которые сложно вывести в отдельные категории – их великое множество. Для работы художники используют карандаши, акварели, масла, пастели, сангины, темперы и угль.

Современные художники для создания своих картин используют эпоксидную смолу, золочение поталью – имитацию сусального золота. Еще одного направление, набирающее популярность, называется «Fluid Art», что буквально переводится как «жидкое искусство» или «искусство потока». Для создания картин по технике «Fluid Art» акриловые краски смешивают с водой и выливают на холст в определенном порядке. Чтобы краски смешивались, холст наклоняют и вращают, – в результате получается уникальный абстрактный рисунок, который практически невозможно повторить. Абстрактные образы на полотнах создаются и с помощью спиртовых чернил. Популярными становятся объёмные картины – для создания рельефа используется текстурная паста, гипс, ткани и даже веревки.

Отличается и сама техника нанесения красок на полотно, то есть на холст. Например, есть технический прием «импасто», который был известен еще в 16-м веке. Неразбавленную водой краску наносят на холст густыми мазками. Раньше так маскировали небольшие дефекты на картине. Этот способ нанесения краски взяли на вооружение многие художники. Знаменитый Винсент Ван Гог, например, писал в «импасто» целые полотна. Кстати, художникам не всегда требуются кисти. Картину в технике «импасто» можно написать, пользуясь только мастихином или шпателем.

К известным техникам нанесения можно добавить лессировку – краску тончайшими слоями наносят друг на друга. Эту технику использовал И.К. Айвазовский, чтобы изображать воду и волны. Художник родился и вырос на море, в Крыму. Родная стихия стала любимым сюжетом в его творчестве. Создавал он свои морские картины часто по памяти. Благодаря технике лессировки волна выглядела прозрачной, живой, словно двигалась.

Художники смешивали стили и техники, заимствовали идеи друг у друга и придумывали что-то своё. Например, Микеланджело да Караваджо писал свои картины в темной комнате с маленьким окном, благодаря чему светотень добавляла атмосферу напряженности его картинам. Еще Микеланджело использовал во время рисования наклонное зеркало, чтобы фигуры получались более объемными. Работы художника были настолько оригинальными, что в конце 16-го века в Европе даже появилось особое художественное явление — Караваджизм.
Кто знает, вдруг мы тоже сможем изобрести какую-то особую технику и внести свою лепту в историю современной живописи?! Нет ничего невозможного, главное – стремление и труд.

Итак, отправляемся в наше путешествие по музеям мира и взглянем на известные картины, написанные в разных стилях и в разное время. Кстати, чтобы картина надолго сохранилась, её покрывают специальным художественным лаком.
Великолепных картин очень много. Даже при большом желании мы не сможем рассмотреть их все – на это нам потребовалась бы не одна земная жизнь. А потому попробуем разгадать секреты самых загадочных шедевров великих мастеров. Узнаем, какие техники они использовали и чем вдохновлялись.

Куда направимся сначала? В «Город света» - Париж!

Возрождение

Говоря о величайших картинах мира, сразу же вспоминается загадочная и неповторимая «Мона Лиза». Поэтому держим путь в Париж, чтобы посетить один из самых популярных музеев мира – Лувр. Именно здесь, во Франции, представлено известное произведение Леонардо Да Винчи, которое также называют «Джоконда». Когда точно был написан знаменитый портрет – никто не знает, примерно в 1503-1507 гг. И вот уже более 500 лет шедевр приводит огромное количество посетителей во французский музей каждый год. Это в прямом смысле бесценное произведение искусства, которое невозможно оценить в деньгах и купить.

Улыбка Моны Лизы – самая удивительная и таинственная деталь шедевра гениального мастера эпохи Возрождения. История этой картины окутана тайнами. Например, ученые до сих пор гадают, кто именно изображен на полотне. Известно, что Да Винчи отказался продавать её и оставил себе, любуясь и дорисовывая её многие годы. Говорят, что «Мона Лиза» — это портрет Лизы дель Джокондо, жены торговца тканями. Однако до сих пор историки спорят о том, что, возможно, Да Винчи изобразил свою мать или даже самого себя.

Глядя в глаза Джоконды, мы невольно замечаем тени на её щеках, дающие загадочную полуулыбку. Да Винчи писал кистью, не оставляя линий. Поэтому каждый раз, когда на нее смотришь, кажется, что у Джоконды меняется выражение лица. Именно в том, что каждый смотрящий воспринимает ее по-своему, кроется восхитительная глубина творения Да Винчи.

Эпоху Возрождения называют Ренессансом. Этот период в живописи длился с 14-го до конца 16-го вв. и тесно связан с Италией. Возрождение античной культуры стало новым направлением в искусстве в противовес «темному Средневековью». Новое время для искусства означало уход от старых традиций. Творцы черпали вдохновение в древнегреческой и древнеримской философии. Художники больше не считались просто ремесленниками.

Чтобы увидеть еще одну из известнейших картин эпохи Ренессанса, отправляемся в Германию. В Галерее старых мастеров Дрездена находится потрясающая работа Рафаэля Санти – Сикстинская Мадонна. Эта картина была написана мастером по заказу римского папы Юлия II и почиталась прославленными деятелями литературы. Великий русский поэт А.С. Пушкин хоть и не видел картину воочию, но не раз упоминал о ней. Ф.М. Достоевский не расставался с репродукцией Сикстинской Мадонны. Писатель при переездах перевозил с собой копию любимого творения. Вдохновлялись шедевром Рафаэля и наши знаменитые художники К.П. Брюллов и И.Е. Репин.

Борроко

А теперь спешим в страну тюльпанов – так называют Нидерланды. Держим путь в Музей Маурицхёйс в Гааге. Здесь находится одна из самых известных картин мира – «Девушка с жемчужной сережкой», которую в 1665 г. написал художник Ян Вермеер. Эту картину даже сравнивают с «Моной Лизой». Полотно написано в стиле барокко и полно загадок. До сих пор не известно, кто именно изображен на знаменитой картине: реальный ли это человек или плод воображения маэстро?
Сам автор оставил своё творение без названия. Больше всего вопросов вызывает сережка, благодаря которой картина получила такое название в народе. Однако украшение слишком велико, чтобы быть настоящей жемчужиной. Серьга словно висит в воздухе – мы не видим крючка, за который она крепилась бы на ухо. А потому, вполне вероятно, что жемчужная сережка была авторским вымыслом.
Кажется, что девушка изображена просто на темном фоне. Но недавно выяснилось, что на заднем фоне были прорисованы складки зеленой ткани. А еще у героини были ресницы, которые за столетия просто исчезли.
Живописец работал в интересной технике: начинал с черных и коричневых красок, к которым потом добавлял другие цвета. Сначала прорисовывал фон, а потом переходил к переднему плану. Для создания этой картины требовалась свинцовая руда, необходимая для получения белого цвета. Стола она в 17-м веке баснословных денег. А для изготовления синего цвета нужен был полудрагоценный афганский лазурит.

Стиль Барокко сменил Ренессанс и главенствовал в Европе 16-17 вв. Художники хотели потрясать помпезностью своих творений, использовали игру света, делали акцент на яркости изображения. Название целой эпохи было позаимствовано у португальских моряков, которые прозвали жемчужины неправильной формы – «la perola barroca».
Вот таким отчасти причудливым и вычурным было искусство после грандиозного открытия ученого Николая Коперника, перевернувшего представления о мире и человеке. Знание о том, что вовсе не Земля является центром Солнечной системы, а Солнце, поставило под удар учения католической церкви. И потому задачей Барокко было вернуть торжественность, величие и уверенность римской католической церкви.

Классицизм

Классицизм возник во Франции в 17 веке и сменил эпоху Возрождения, олицетворяя «образцовое искусство». Художники использовали золотое сечение, чтобы достоверно изображать тело человека. Воспевалась человеческая красота. Для картин выбирали мифологические, исторические и религиозные сюжеты. Нельзя было смешивать эти жанры с натюрмортом, пейзажем и портретом. Картины казались очень объемными и словно «подсвеченными» за счет игры светотеней. Для переднего плана художники использовали коричневый цвет, для среднего выбирали зелёные оттенки. А для дальнего плана – голубой цвет.

Развитие классицизма привело к открытию королевских академий, после чего его традиции подхватила академическая живопись. В русской живописи классицизм укоренился при императрице Екатерине II, которая была поклонницей идей Просвещения.
Знаменитым представителем классицизма считается Никола Пуссен, который даже носил титул первого живописца французского короля Людовика XIII.

Отправляемся в Санкт-Петербург. В Эрмитаже находится знаменитая картина Пуссена «Святое семейство в Египте». В музее Эрмитаж также можно полюбоваться на картину «Полдень (Отдых на пути в Египет)», написанную в 1661 году Клодом Лорреном на библейскую тему. Художник сумел передать нежный золотистый свет, который объединяет все планы картины. Еще одно произведение Лоррена «Утро в гавани» тоже написано в легких, светлых тонах. Розово-голубой свет пронизывает всё произведение.

Реализм

Закройте глаза, представьте вкус шоколадной глазури и почувствуйте хруст вафель. Сразу же вспоминается знакомая с детства конфета, на которой изображена шедевральная картина «Утро в сосновом лесу» Ивана Шишкина и Константина Савицкого. Картина была написана в 1889 году и реалистично передает красоту великолепного бора. А медведица и медвежата оживляют лесной сюжет.
Реализм – направление в искусстве, которое стремится к правдивому и достоверному изображению вещей и явлений. И вполне вероятно, что реализм будет находить почитателей среди художников всегда. Мы порой хотим сохранить в памяти и на бумаге красоту увиденного.
Считается, что стиль реализм появился в 19-м веке во Франции, потому что творческим людям хотелось показать то, что они видели своими глазами. Появление фотографий тоже вдохновило художников рисовать по-новому. Мастерам было важно не просто достоверно изображать что-то из своей жизни, но и передать идеи и нравы их эпохи.
Например, посмотрев на картину Венецианова А.Г. «На жатве. Лето», кажется, можно услышать запах хлеба и почувствовать на коже жаркие лучи солнца.
По тому, какие сюжеты выбирали художники для своих произведений, мы сейчас можем представить, что происходило два века назад. Например, великий русский живописец Илья Репин написал картину "А.С.Пушкин на акте в Лицее 8 января 1815 года". Мы как будто заглянули в момент из прошлого любимого поэта.
Илья Репин – легендарный мастер реализма. Под его кистью родились такие картины, как: «Не ждали», «Бурлаки на Волге», «Крестный ход в Курской губернии» и др.

Художники часто любят "исправлять" и дорабатывать свои работы. Интересно, что Илье Репину даже запрещали входить в Третьяковскую галерею, если видели у него в руках краски и кисти. Дело в том, что художник не был до конца доволен своими творениями и частенько приходил в Третьяковскую галерею, чтобы поправить в своих картинах "несовершенные" детали. И его совсем не останавливало, если они были выставлены и даже выкуплены. Конечно, предела совершенству нет, но начинающий художник запросто может испортить свою работу, если будет бесконечно стараться довести её до идеала. Уметь вовремя остановиться и отойти от своего творения — это тоже искусство.

Импрессионизм

Можно сказать, что название целому направлению живописи дала картина Клода Моне, написанная в 1872 г. Художник назвал свою работу «l'impression» («Впечатление. Восход Солнца»).
Берите с собой зонтик. Ведь нам предстоит вернуться в Париж, а погода там капризная. Поспешим в Музей Мармоттан-Моне, чтобы оценить великую работу «впечатлительного» гения. На первый взгляд картина может показаться быстро и даже неряшливо написанной: мелкие мазки, нет четких линий, небо и вода как будто сливаются. А в этом и была задумка: художник так видел! И достоверность он заменил своим собственным чувством, стараясь запечатлеть некую связь между водой и восходящим солнцем. Продать картину на первой выставке импрессионистов удалось за небольшие деньги. Лишь спустя 100 лет «впечатлительное» искусство стали оценивать в миллионах долларов. Время – главный судья великости живописных творений.
Клод Моне написал маслом множество картин на тему "Кувшинок", над которыми работал целых 30 лет. Художник начал свою известную пейзажную серию, когда поселился в Живерни и осуществил свою мечту – создал собственный прекрасный сад с разными цветами. Мастер очень любил пруд с мостиком и вдохновлялся пейзажами.

Любопытно, что слово «импрессионист» задумывалось критиком Луи Леруа, как оскорбление живописцев, - якобы рисовать они не умели. В те времена было принято писать древнегреческих богов, исторические сюжеты, стараясь сделать поверхность произведения максимально ровной. А не будни и всё то, на что лег взгляд впечатлительного творца. Первым, кто бросил вызов общепринятым нормам, стал Эдуар Мане. Не путайте Мане и Моне. Да, фамилии похожи. Творениями Мане как раз очень восхищался юный Моне. Мане реалистично изображал людей. А Моне прославили пейзажи.
Эдуард Мане решил изображать современную жизнь. На его картинах появлялись испанские танцовщицы, лошадиные скачки и многое другое из того, что он встречал в своей жизни. Люди на его полотнах не картинно позируют мастеру, а словно были поставлены на паузу в своей повседневной жизни. Это было новым видением, новым стилем. А потому требовалась и новая техника – способ рисовать быстро, буквально хватаясь за оттенки и свет. Все лишнее необходимо было отбросить. Теперь объекты словно теряли контуры, немного сливаясь с фоном. Картина стала будто воплощением беглого взгляда, который не может уловить все мелкие детальки. Поэтому даже лица могут быть смазанными, нечеткими.
Давайте перелетим через океан и заглянем в Национальную галерею искусства в Вашингтоне, США. Здесь представлена одна из известных картин Мане – «Железная дорога». Поездов на самой картине не видно – лишь клубы пара за железными прутьями ограды. На полотне изображены женщина и девочка. Поразительно, но Мане высмеивали за эту работу. Говорили, что перспектива искажена, и вообще не понятно, что хотел показать художник. Каждый видит в этом творении что-то свое.
Кстати, "Девочка с персиками" тоже написана в стиле импрессионизма, хотя художник В.А. Серов вдохновлялся работами старых мастеров. А великий абстракционист В. Кандинский принял решение стать художником, впечатлившись картиной «Стог сена» Клода Моне.

Постимпрессионизм

В конце 19 – начале 20-го вв. возник постимпрессионизм. Художники придумали пуантилизм. Это такая особая манера написания картин, при которой художник накладывает на холст раздельные точечные мазки красок практически чистых цветов. Мазки должны сочетаться друг с другом по оттенкам. Краски смешиваются уже в глазах смотрящего на полотно, который видит целостный образ. Одна из потрясающих картин в такой манере, – «Эйфелева башня. Париж», которую написал Жорж Сёра в 1889 г.
Знаменитый художник Ван Гог создал легендарную картину "Звездная ночь", вдохновившись видом из окна своей спальни в Сен-Реми-де-Прованс, когда проходил лечение. На полотне он изобразил небо перед рассветом над вымышленной деревней. При этом Ван Гог любил рисовать с натуры, то есть при рисовании видеть реальный образ. Он признавался, что ночью выходил на улицу, "чтобы рисовать звезды". Очень нравились мастеру кипарисы – именно их он изобразил на своей картине. Художнику было сложно порой справляться со своими чувствами и даже пришлось лечиться от расстройства психики. Свой звёздный шедевр художник написал всего за один день. И задумывал он картину как абстракцию. Наверное, поэтому выбрал такую необычную цветовую гамму. Чтобы изобразить звезды, художник делал длинные мазки. Нас завораживает эта картина, потому что на ней всё словно движется. Будто сам свет от звёзд переливается.

Давайте отступим на несколько шагов назад. Вы, наверное, заметили, что художник писал довольно густыми мазками. Оценивать такое произведение лучше на небольшом расстоянии. Любопытно, что Ван Гог не был в восторге от своей работы и считал картину, скорее, неудачной. Но это не помешало его творению стать настоящим шедевром мирового искусства. А потому не выбрасываем свои "неудачные" работы. Ведь вполне возможно, что именно они будут оценены и любимы. Взгляд мастера порой бывает предвзятым, то есть слишком уж самокритичным.

Кубизм

Ой, это что нарисовал пятилетний малыш? Нет, мы оказались перед всемирно известными картинами в музее Пикассо в Барселоне.
В первой четверти 20 века Пабло Пикассо создал новый необычный стиль – кубизм. Каждый мазок важен! Цель картины – передать эмоции. Пикассо будто ломал предметы и раскладывал их на геометрические фигуры, не соблюдая четких границ между фоном и предметом. Портреты, натюрморты и здания, изображенные в стиле кубизма, как будто специально деформированы и оторваны от реальности. А лицо на таком портрете может одновременно быть нарисовано и в фас, и в профиль. Яркий тому пример – картина «Плачущая женщина», написанная в 1937 г. как антивоенная позиция мастера.

Пикассо при жизни удалось стать востребованным и признанным художником – его работы стоили очень дорого. Хотя сам маэстро говорил: «Мне нравится жить бедно… но с кучей денег в кармане». И не очень любил продавать свои картины.

Сюрреализм

Отправляемся в США к, пожалуй, самой знаменитой картине, написанной в стиле сюрреализма. Поспешим, ведь время бежит! Или всё же тает? В Музее современного искусства на Манхеттене в Нью-Йорке нас ждет встреча с небольшим, размером всего 24х33 см., полотном с многозначительным сюжетом.
Взгляд великого художника Сальвадора Дали, признанного гением еще при жизни, был способен рассмотреть сюжет даже в плавящемся сыре камамбер. Мягкие часы на его шедевре, действительно, невозможно забыть. Говорят, что Дали вдохновился знаменитым выражением Гераклита: «Всё течет, всё меняется». Известно, что художник придумал сюжет картины в 1931 г. В этот момент он страдал от мигрени. Возможно, поэтому мы видим на полотне образ спящей головы.

Произведение «Постоянство памяти» словно бросает вызов времени, заставляя переосмысливать привычный порядок вещей. Возможно, Дали хотел подчеркнуть, что ход времени каждым воспринимается по-своему и не всегда соответствует общепринятому счету, изображенному на циферблате. А еще художник не расставался со страхом смерти, которую неминуемо приближали стрелки часов.

Многие творцы, работавшие в стиле сюрреализма, черпали вдохновение в снах, грезах – в бессознательном. Сюрреализм появился во Франции в 1920-е годы. Через причудливые образы, напоминающие галлюцинации, художники выражали свои потаенные страхи, желания и фантазии. Известным мастером сюрреализма являлась и гениальная художница Фрида Кало, которая творила бессмертные шедевры в своей неповторимой манере.

Экспрессионизм

Нам предстоит путь в Осло, в Национальный музей искусства, архитектуры и дизайна. Схватились за головы, забыв свои шапки? Норвегия северная страна, поэтому теплая одежда в нашем путешествии не помешает. Но в Осло вполне комфортный климат.
Путешествуя по музеям мира, нельзя не взглянуть на одно из самых неоднозначных творений в стиле экспрессионизма.

Картина «Крик» норвежского художника Эдварда Мунка, написанная в 1893 г. маслом, темперой и пастелью, считается символом 20-го века. На загадочном шедевре изображена фигура, которая отчаянно кричит или зажимает уши. Небо написано широкими оранжевыми, желтыми, сине-зелеными и алыми мазками.
Художник неоднократно повторял этот сюжет, как будто хотел подчеркнуть важность своей идеи. В верхнем левом углу картины спрятана надпись карандашом: "Такое мог нарисовать только сумасшедший". Есть версия, что это написал сам художник в ответ на неприятную критику его произведения. Искусство не может угодить всем.

Само слово «экспрессионизм» означает «выразительность» в переводе с французского. Зародился этот стиль в 20-м веке в Германии перед Первой Мировой Войной. Экспрессионисты протестовали против крушения привычного мира и выбирали довольно пессимистичные, безрадостные сюжеты. Художники специально деформировали предметы, которые изображали, использовали резкие переходы от одного цвета к другому. Творчество было способом выразить непростые эмоции.

Абстракционизм

Абстракционизм отказывается от изображения конкретных предметов. На картинах изображены пятна, линии и полосы, а не объекты. Основными цветами считаются синий, красный и желтый. Художники рисуют геометрические формы: треугольники, круги и квадраты, чтобы передать свои эмоции и выразить «невыразимое» через цветовые сочетания. У зрителей полотна абстракционистов вызывают разные ассоциации.

Возвращаемся в Россию и спешим в Государственную Третьяковскую Галерею в Москве, чтобы взглянуть на одно из самых известных произведений абстракционизма. Лучше присядьте, чтобы не закружилась голова. «Композиция VII» русского художника В. Кандинского поражает разнообразием деталей. Образы и формы, изображенные на большой полотне, завораживают и словно затягивают внутрь картины.

Мы все умеем рисовать квадраты, верно? Известный абстракционист Малевич создал новый стиль – супрематизм. А «черный квадрат» по сей день будоражит умы и вызывает споры. Любопытно, что «Черный квадрат» Малевича не является квадратом на самом деле. Это «Четырехугольник», близкий к квадрату по пропорциям. Вместе с «Квадратом» художник представил еще картины «Черный крест» и «Черный круг». На выставке в Петрограде в 1915 г. «Черный квадрат» был расположен в углу – так принято было вешать дома иконы.
Недавно под слоем краски «Черного квадрата» обнаружили 2 цветных изображения и надпись: «Битва негров в темной пещере». Возможно, Малевич задумал напомнить о картине «Битва негров в темной пещере глубокой ночью», которую в 1882 г. написал Альфонс Алле. И кстати, на ней был изображен черный прямоугольник.
Сам Малевич не ожидал такого интереса к своей работе и не мог объяснить её огромную популярность.

Каким стать художником

Поводя итог нашего путешествия по музеям мира, можно заключить, что для создания шедевра одинаково важны мастерство, идея и чувства художника. Но не менее важна смелость творить по-новому и передавать своё видение. Рисовать и писать то, что важно и интересно именно вам. Свой стиль, возможно, получится найти не сразу. Главное - начать и совершенствовать мастерство, осваивать разные техники. Тренируйтесь рисовать с натуры, чувствовать свет.
Выбирайте стиль, который вызывает у вас позитивные эмоции и не бойтесь портить холсты. Ведь в живописи сам процесс также ценен, как и результат. Выражайте себя! Как говорил Пикассо: "Вдохновение существует, но оно должно застать вас за работой".